Museo del Prado expone la crudeza de la misoginia del siglo XIX

Imagen Cortesía Museo del Prado

Armando G. Tejeda

En la historia del arte la mujer ha sido sistemáticamente olvidada y maltratada. El siglo XIX es un fiel reflejo de ese machismo ancestral, de esa visión misógina que convertía a la mujer en bestia humana, como “alegoría de todos los vicios” o en un ser frágil, incapaz de valerse por sí mismo.

El Museo del Prado, que lleva varios años profundizando en esta anomalía, presentó la exposición Invitadas: fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931), que recorre los papeles que le asignaron los artistas en el siglo XIX, que fue, a su vez, el prólogo de las grandes vanguardias del siglo XX.

Ese recinto lleva años intentando rescatar de su acervo y de las colecciones internacionales las obras artísticas de mujeres a lo largo de la historia. Algo ha hecho, como la recuperación de artistas condenadas desde hace décadas al olvido, como Sonofisba Anguisola y Lavinia Fontana, pero también ha revisado los análisis y las perspectivas de algunas obras cruciales de la colección, sobre todo las que hacen referencia a figuras mitológicas y que resultan en ocasiones violentas sobre la perspectiva actual en torno a la mujer.

De esos dilemas, arraigados desde hace tiempo en los responsables del museo, nació la idea de recorrer el siglo XIX, uno de los más creativos y singulares, que además sirvió de parteaguas para las vanguardias, pero a través de la visión de la mujer.

Esa historia de misoginia y machismo, pero también de violencia, muerte, desgarro y admiración, se recorre a través de 130 obras, divididas en 17 secciones, que en conjunto forman una reflexión sobre el modo en que los poderes establecidos defendieron y propagaron el papel de la mujer en la sociedad por medio de las artes visuales, desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII.

“Uno de los mayores atractivos de la exposición radica en no haber acudido a la periferia, sino al arte oficial de la época. Es posible que alguna de estas obras sorprenda a una sensibilidad contemporánea, pero lo hará no por su excentricidad o malditismo, sino por ser expresión de un tiempo y una sociedad ya periclitados”, explicó durante la presentación Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado.

La mayor parte de las obras forman parte del acervo de la pinacoteca española, pero también hay algunos préstamos, con el afán de hacer un relato cronológico que va desde los tiempos de Rosario Weiss (1814-1843) hasta los de Elena Brockmann (1867-1946), y así ordenar en dos partes articuladas distintos fragmentos temáticos. En la primera se ilustra el respaldo oficial que recibieron aquellas imágenes de la mujer que se plegaban al ideal burgués.

El Estado legitimó estas obras mediante encargos, premios o adquisiciones, y fueron aceptadas como valiosas muestras de la madurez de sus autores, al tiempo que se rechazaban todas aquellas que se oponían a ese imaginario.

En la segunda se abordan aspectos centrales de las carreras de las mujeres artistas, cuyo desarrollo estuvo determinado por el pensamiento predominante en su época, que diseñó su formación, participación en la escena artística y reconocimiento público.

Una discusión oportuna

Al ser cuestionado sobre el retraso del Museo del Prado para asumir el machismo en la historia del arte y en el de su colección, Falomir explicó: “Siempre se nos acusa de ser un poco machistas, como si fuéramos los únicos, y en este país lo ha sido todo el mundo. Puedo decir que llevo tres años para intentar cambiar eso como director. ¿Hay algún otro museo que pueda decir que en tres años se hayan hecho tantas cosas (con relación a la mujer)? Es una exposición necesaria”.

Carlos G. Navarro, curador de la muestra, explicó que “esta exposición no llega tarde, al revés, llega en el momento en que tenía que llegar y como consecuencia lógica del trabajo del museo desde hace unos años.

“El Prado ha sido heredero directo de esas adquisiciones. No será fácil para los espectadores, porque algunas son violentas para la mirada, aunque pasaron sin polémica en el siglo XIX”.

Entre las obras que citó el curador que pueden resultar violentas a la mirada actual se encuentran piezas de Antonio Fillol, como La bestia humana, donde una mujer llora desconsolada ante la indiferente mirada de la persona que ha pagado por sus servicios sexuales, o La rebelde, una muchacha gitana expulsada del poblado. Además, profundizó en las condiciones injustas y desiguales con las que trabajaban las mujeres artistas en esa época.

La exposición se podrá ver hasta el próximo 14 de marzo.

Edición: Laura Espejo