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La Jornada
13/06/2026 | Londres, Reino Unido
David Hockney, artista británico que convirtió las piscinas de California, los cuerpos bajo el Sol y los paisajes de Yorkshire en algunas de las imágenes más reconocibles del arte contemporáneo, falleció el jueves pasado en su casa de Londres, un mes antes de cumplir 89 años, informaron sus representantes.
Pintor, dibujante, fotógrafo, escenógrafo y explorador de herramientas digitales, Hockney desarrolló una trayectoria de siete décadas marcada por el color, la observación del mundo cotidiano y una capacidad constante para probar nuevos medios. Su obra abarcó el retrato, el paisaje, el collage fotográfico, el video, el diseño para ópera y los dibujos realizados en iPad.
Sus cuadros de albercas, casas modernas y figuras masculinas en Los Ángeles le dieron un lugar central en la cultura visual del siglo XX. En esas escenas, la calma aparente de una tarde soleada podía quedar interrumpida por el golpe del agua, una sombra precisa o la presencia de un cuerpo apenas insinuado.
De esa etapa surgió A Bigger Splash (1967), una de sus obras más emblemáticas. La pintura muestra una piscina bajo un cielo despejado; la arquitectura recta y silenciosa de una casa californiana queda alterada por la explosión de agua provocada por un salto fuera de cuadro. La imagen sintetizó su interés por la luz y la sensualidad que encontró en la costa oeste estadunidense.
California también representó para Hockney una libertad difícil de encontrar entonces en Gran Bretaña. Asumió públicamente su homosexualidad a los 23 años, siete años antes de que las relaciones entre personas del mismo sexo fueran despenalizadas en su país.
Esa experiencia apareció desde temprano en obras como We Two Boys Together Clinging (1961), inspirada en un poema de Walt Whitman, y Domestic Scene, Los Angeles (1963), donde abordó el deseo y la intimidad masculina en una época marcada por prejuicios y restricciones legales.
En 1964 se instaló en Los Ángeles, después de su paso por Londres y Nueva York. La ciudad le ofreció el color que había imaginado desde niño al ver las sombras intensas de las películas de Hollywood. “Aquí me sentí libre”, recordó años después. A partir de entonces, sus piscinas y paisajes suburbanos se volvieron emblemas de una vida bañada por el Sol.
Entre sus trabajos más conocidos figura Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1972, inspirado en Peter Schlesinger, quien fue su pareja y una de sus presencias más importantes. En 2018 la obra alcanzó 90.3 millones de dólares en una subasta de Christie’s en Nueva York y estableció entonces un récord para una pieza realizada por un artista vivo.
Otra vertiente fundamental de su producción fueron los retratos. En Mr and Mrs Clark and Percy (1970-1971) colocó a la diseñadora Celia Birtwell y al modista Ossie Clark junto a un gran ventanal, en una escena doméstica cargada de tensión. En My Parents (1977) retrató a sus padres con una cercanía serena y una notable precisión sicológica.
Defensor del dibujo
Nacido el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire, fue el cuarto de cinco hijos de Laura y Kenneth Hockney.
Su madre era metodista y vegetariana; su padre, contador y objetor de conciencia durante la Segunda Guerra Mundial. Desde niño mostró interés por el dibujo y decidió dedicar su vida al arte.
Estudió en la Escuela de Arte de Bradford y posteriormente ingresó al Colegio Real de Arte de Londres, donde coincidió con Patrick Caulfield y RB Kitaj. Antes de graduarse ya había llamado la atención de galeristas y coleccionistas. En 1963 agotó las obras de su primera exposición individual, David Hockney: Pictures with People In, organizada por John Kasmin.
Aunque su nombre quedó asociado al arte pop británico de los años 60, mantuvo una relación amplia con la tradición pictórica. Entre sus referentes figuraron William Hogarth, JM W Turner, Pablo Picasso, Cézanne y Van Gogh. También defendió el dibujo como una habilidad fundamental para cualquier artista.
Tras décadas entre Estados Unidos y Europa, regresó con frecuencia a Yorkshire a partir de los años 90. Los escenarios de su infancia recuperaron protagonismo en una etapa de gran productividad. De ahí surgió Bigger Trees Near Warter (2007), composición de más de 12 metros de longitud integrada por 50 paneles.
Más tarde dirigió su mirada hacia Normandía, en Francia, donde vivió desde 2019. Durante la pandemia produjo dibujos digitales sobre la primavera y los compartió con un mensaje que adquirió amplia difusión: “Recuerden que no pueden cancelar la primavera”. En ese periodo también trabajó en A Year in Normandie, un friso de 90 metros inspirado en el Tapiz de Bayeux.
Entusiasta de la tecnología
A lo largo de su carrera incorporó tecnologías como el fax, la Polaroid, el video y las herramientas digitales, con las que realizó proyectos como The Yosemite Suite (2010-2011), sin abandonar su interés por la mirada directa y el dibujo. Para él, el dispositivo funcionaba como una hoja infinita capaz de ampliar las posibilidades de la pintura.
También diseñó vestuario y escenografía para teatro y ópera, entre esos trabajos una producción de Tristán e Isolda presentada en 1987 por la Ópera de Los Ángeles. Sus collages fotográficos como Pearblossom Highway, 11-18th April, 1986 exploraron formas alternativas de representación mediante la unión de múltiples puntos de vista.
En sus últimos años trabajó entre Normandía y Londres, y fue objeto de importantes exposiciones internacionales. La Fundación Louis Vuitton de París le dedicó una amplia retrospectiva en 2025. Meses antes de su muerte, The Independent lo incluyó en su lista anual Pride, que reconoce a integrantes de la comunidad LGBT con influencia social y cultural.
Le sobreviven su pareja de larga data, Jean-Pierre Gonçalves de Lima; su sobrino nieto y asistente de estudio, Richard Hockney; sus hermanos Philip y John, así como numerosos sobrinos y sobrinas.
Hockney nunca dejó de trabajar. “Uno no se jubila de hacer esto”, afirmó alguna vez.
Durante más de 70 años encontró en las piscinas californianas, retratos de amigos y familiares, y los paisajes que acompañaron su vida, algunos de los temas centrales de una producción presente hoy en museos y colecciones de todo el mundo.
Edición: Emilio Gómez
